DAS PROJEKT
Als Victor Hugo „Le roi s’amuse“ schrieb wurde das Stück umgehend zensiert, da der König und sein Umfeld mit zu wenig Respekt dargestellt wurden, zu freizügig, zu gleichgültig, zu egoistisch … Das war im Jahr 1832.
Und heute? Heutzutage sorgen die Laster der Mächtigen für keine Skandale mehr, es erscheint kaum notwendig, sie zu verbergen.
Wir möchten in Wahrheit nichts mehr von Gleichgültigkeit und Egoismus hören, vor allem, wenn es um uns aus der „ersten Welt“ geht und wir beschuldigt werden. Wir sind stolz auf unseren Fortschritt und unseren Reichtum und es ist uns egal, wer uns reich gemacht hat. Wir ziehen es vor zu vergessen wer ausgebeutet wurde, damit wir in unserem Zustand des Wohlstands verharren können. Es ist einfacher, den Blick abzuwenden, denn im Grunde geht es uns nichts an … unseren Kindern geht es gut.
Dieses Stück, das aus Bildern und Musik besteht, kann uns helfen, über uns selbst nachzudenken.
Teatro Strappato begann bereits 2018 über eine Adaption von Victor Hugos Werk nachzudenken, darüber, wie man den immer noch aktuellen Kern darstellen und sichtbar machen kann. Anfang 2020 begann das Ensemble mit den Proben und der Herstellung der „Triboulet“-Masken … und in diesem Moment nahm die ganze Welt eine Wendung und schien stehen zu bleiben. Die für November 2020 geplante Premiere in Berlin wurde verschoben, die Produktionsarbeiten wurden unterbrochen und als Mitte 2021 die Proben zu dieser Show wiederaufgenommen wurden, war deutlich … „Triboulet“, ein Stück über Manipulation, ist notwendiger denn je.
Inzwischen hatte sich die Welt verändert, und die Arbeit begann mit der Aktualisierung des Stoffes.
Die Waffe, das große Werkzeug der Manipulation ist heute die Information, und alles, absolut alles, ist möglich dank eines prestigeträchtigen Spiels, dank der Illusion, dank der Überzeugung, dass Wahrheit und Information dasselbe sind.
Wenn man sich „Le roi s’amuse“ nähert, stößt man unweigerlich auch auf Verdi und seinen „Rigoletto“, eine Operninterpretation nach Victor Hugos Text. Das Ensemble begann bald auf zwei Ebenen zu arbeiten:
Einerseits besteht die Idee der Aufführung darin, den Inhalt des Originaltextes auszuarbeiten und eine Serie „menschlicher Bestien“ auf die Bühne zu bringen, die von Egoismus geblendet und in ihren eigenen Täuschungen gefangen sind; andererseits entwickelte sich der kreative Funke dahingehend, dass den Figuren, ihren Gefühlen und ihren Handlungen durch eine Neufassung der kraftvollen Musik von Verdi durch fünf Instrumente eine Stimme verliehen wird. Diese „modernen Monster“ werden von der herzzerreißenden Kraft der E-Gitarre bewegt, vom Schlagzeug angetrieben, vom Klanguniversum des Akkordeons umhüllt, die Klarinette spricht mit ihrer lebendigen und poetischen Stimme zu ihnen und das bewegende Cello zieht sie ohne Pause mit. Die dramatischen und komischen Momente wechseln sich ohne Unterbrechung ab und die beunruhigenden und komischen Aspekte werden im Verlauf der Handlung, im Wechsel der Bilder, unvermittelt auftauchen.
Die Ausdruckskraft der Körper unterstützt die Stärke und Kraft der Masken, die sowohl komisch als auch tragisch sind.
Masken, die zu Gesichtern werden, die sich verwandeln; Masken als Köpfe, die sich von selbst bewegen; Masken als unabhängige Figuren und Masken als vollständige Charaktere.
Die Protagonisten kämpfen gegen den „Käfig“ der Bühne an, den Käfig, den sie sich selbst schaffen … und manchmal scheinen sie zu tanzen, zu kämpfen und zu leiden – es bleibt eine Interpretation des Lebens.
Die Botschaft, die von der Bühne kommt ist verschlüsselt, jeder wird seinen Hinweis finden, eine Vielzahl von Geschichten wird in den Köpfen der Zuschauer gedeihen, einmal mehr findet das Theater seinen individuellen Ausdruck.
DIE MUSIK FÜR TRIBOULET
Victor Hugos Geschichte enthält eine starke politische Metapher, die dramatisch aktuell ist – ein Spiel aus Gleichgültigkeit, Manipulation und Macht. Mit dieser Verwicklung des Elends weben wir heute unsere Welt und leben, ohne auf den Schmerz zu achten, den wir verursachen. Wir werden zu einem Rädchen in einer Konsummaschine. Verdis Harmonien mutieren und werden in dieser neuen Triboulet-Erzählung mit einem „industriellen“ Ton wiedergeboren, beunruhigend und gleichzeitig lustig. Das Orchester, der Chor und die Sänger werden durch eine elektrische Gitarre, ein Akkordeon, ein Cello, eine Klarinette und ein Schlagzeug ersetzt. Das musikalische Projekt beginnt mit der Anpassung der Partituren und endet mit einer Aufnahme der neuen Version, so dass das Stück sowohl mit Live-Musik als auch mit Musik vom Band aufgeführt werden kann.
DIE BEZIEHUNG ZUR MUSIK
Im Jahr 2015 begann Teatro Strappato mit einer Forschungs- und Experimentierphase, die alle nachfolgenden Produktionen des Ensembles prägte. Es geht um die Intensivierung der Arbeit an der physischen Ausdruckskraft der Schauspieler. Die neue Herausforderung besteht darin, den Text zu reduzieren, der Bewegung mehr Raum zu geben und neue Horizonte auch in der Beziehung zur Musik auf der Bühne zu öffnen. Das Ensemble forscht in Richtung „choreografierte Geste“, um eine Sensibilität für die Musik zu entwickeln, die die Ausdrucksmöglichkeiten der Schauspieler unterstützt.
Die Handlungen der Figuren sind das Ergebnis von Bewegung und Musik, die Szene spricht und zeigt Emotionen durch Bilder. Es ist kein Tanz, keine Pantomime, kein Musiktheater, es ist eine neue Art des Sprechens, bei der keine Worte erforderlich sind.
ÜBER DEN AUTOR VENE VIEITEZ
Vene Vieitez begann 2005 mit seinem ersten Theatertext „Cuando volver no existe“ (Wenn es kein Zurück mehr gibt), einem Stück, das sich mit sozialen Fragen befasst. Damit schlug er eine Brücke zwischen seinen Ausbildungen in Soziologie und im Schauspiel. Im Laufe der Zeit entwickelte er einen ebenso analytischen und ironischen Stil, der sich in den Stücken des Teatro Strappato verstetigte, einem Ensemble, das er 2011 zusammen mit Cecilia Scrittore gründete und dessen zwei Forschungslinien er heute leitet.
Das Teatro Strappato arbeitet einerseits an einer neuen Sprache, die die aktuellen Ausdrucksmöglichkeiten der Maske auf der Bühne erforscht, und hält andererseits einen neugierigen Blick in die Vergangenheit aufrecht, indem es die menschlichen Archetypen in der Geschichte des Theaters und die Verwendung der Maske als Werkzeug zur Identifizierung eben dieser Archetypen erforscht. Da die Maske sowohl in der historischen als auch in der experimentellen Forschungsarbeit des Teatro Strappato eine zentrale Rolle spielt, sind Cecilia Scrittore und Vene Vieitez auch an der Gestaltung und Entwicklung dieser ledernen Gesichtsteile beteiligt.
ÜBER DEN KOMPONISTEN JUAN MIGUEL MURANI
Juan Miguel Murani begann im Alter von 5 Jahren mit dem Klavierunterricht. Er studierte am Musikkonservatorium von Murcia bei Miguel Baró und Anselmo de la Campa. Nachdem er das „Higher Piano Degree“ in Murcia erworben hatte, erhielt er ein Stipendium der spanischen Regierung, um seine Ausbildung sieben Jahre lang in Moskau fortzusetzen, wo er am Tschaikowsky-Konservatorium und später an der Russischen Musikakademie Gnessin studierte, zwei der renommiertesten Musikinstitute der Welt.
Er schloss sein Klavier- und Kompositionsstudium an der Gnessin mit einem Master of Fine Arts mit Auszeichnung ab und wurde als erster europäischer Pianist mit dem „Roten Preis“, der höchsten Auszeichnung dieser Akademie, ausgezeichnet. Zu seinen Klavierlehrern gehören Margarita Fedorova (Schülerin von Neuhaus) am Tschaikowsky-Konservatorium sowie Nikita Yujanin und Valentina Zvereva (Schülerin von Gutman) am Gnessin. Auf dem Gebiet der Kammermusik war er Schüler des berühmten Georgi Fedorenko.
Außer in den größten und renommiertesten spanischen Konzerthäusern gab er international Liederabende in Städten wie New York, Chicago, Calgary, London, Paris, Toulouse, Edinburgh, Wien, München, Bratislava, Moskau und bei internationalen Klavierfestivals wie „Piano aux Jacobins“ oder „Piano Passion“. Als Orchestersolist trat er mit dem
St. Bridge’s Chamber Orchestra in London, den „Virtuosos de Moscow“, dem Pau ‚Orchester Sinphonique‘, der Amsterdam Camerata, den Breslauer Philharmonikern, dem Castilla y León Symphony Orchestra, dem Madrid Philharmonic Orchestra und dem Murcia Symphony Orchestra auf. Er hat rund 300 Liederabende gegeben und ist damit einer der produktivsten Pianisten Spaniens.